Stasera, anziché il Grande Fratello, ho preferito un altro film horror: quello più remunerativo di tutti i tempi bla bla bla, nonché più spaventoso di tutti i tempi bla bla bla (anche se il compleanno di George Leonard, secondo me, è una visione decisamente più terrorizzante). L’unica differenza tra il Gieffe e Paranormal Activity è che in quest’ultimo, il regista Oren Peli vorrebbe far rizzare (senza riuscirci) i “peli” al suo pubblico, mentre Veronica del Grande Fratello fa rizzare – al pubblico maschile – qualcos’altro di ben più consistente. Trama:

Una culona in perenne sindrome premestruale è fidanzata con un tipo dall’aria ebete, uno di quelli che si divertirebbero a far esplodere i gatti randagi con i raudi, e che per di più indossa dei boxer dalle fantasie imbarazzanti. L’allegra coppietta convive felicemente in una casa che, a giudicare dal gusto per l’arredo, dev’essere appartenuta in passato a Luca Sardella. La fanciulla nasconde però un terribile segreto, che purtroppo non è l’imbottitura del reggiseno: fin da quando è bambina, una “entità” non meglio precisata la segue, la osserva, le sospira tra i capelli e talvolta le mette pure i bigodini nella notte. Probabilmente lo scopo della paranormale presenza è di metterla in guardia dagli uomini con le mutande a fiori lunghe fino al ginocchio, ma la giovane Katie non se ne rende conto, perciò lo spettro decide di far percepire in maniera più tangibile la sua presenza. Il coraggioso uomo di casa, Micah, ha allora la folgorante idea di procurarsi una videocamera (ed un’immancabile tavoletta ouija) per riprendere l’impalpabile spettrale entità e notificarle un avviso di sfratto esecutivo, anche perché con i suoi trascinamenti notturni rischia di rovinargli quel meraviglioso tappeto leopardato che ha nel soggiorno, palesemente rubato da qualche postribolo di periferia. Man mano che passano le notti, cresce l’insonnia: il fantasma che infesta il nido d’amore di Katie e Micah fa scricchiolare i pavimenti, si insinua nelle tubature e prende il controllo del decoder digitale terrestre. Grazie ad un barattolo di borotalco Neutro Roberts sparso sul pavimento, il geniale Micah (scazzatissimo perché aveva in programma di andare a far esplodere un siamese) scopre la forma dei piedi del fantasma, che si rivela essere una specie di struzzo invisibile. Al che, anche l’esorcista chiamato a disinfestare la magione se la dà a gambe, specificando di essere solo un sensitivo tipo Solange e che il massimo che avrebbe potuto fare allo spettro sarebbe stato l’oroscopo della prossima settimana, se solo fosse stato in grado di reperirne l’ascendente. Tra urla continue, riprese raffazzonate, rumori molesti, luci che non si accendono e una recitazione che Romina Mondello in confronto merita l’Oscar, si compie il tragico finale (modificato su volontà di Steven Spielberg: non voglio nemmeno pensare come fosse prima) che rende finalmente giustizia allo sventurato fantasma, il quale - onestamente - non poteva scegliere famiglia peggiore.

Considerazione finale: se il Grande Fratello ha al suo timone una efficace testimonial della “naturale regolarità” firmata Danone Activia, in Paranormal Activity per ottenere lo stesso effetto – dopo appena dieci minuti di visione - non c’è nemmeno bisogno di affidarsi ad uno yogurt lassativo.

Probabilmente immaginare Avatar senza il 3D e senza tutto l’impianto grafico/visivo, non si può. E’ un film fatto per stupire la vista, per regalare allo spettatore un superficiale orgasmo della rètina, il cui senso di soddisfazione e di appagamento svanisce dopo il primo battito di ciglia. La storia che ci sta dietro è - ahimé - banale e trita e ritrita: la solita predica pacifista/ambientalista condita dalla solita tormentata storia d’amore a lieto fine, dove il bene (un ex soldato paraplegico e la solita scienziata Sigoruney Weaver che avrà una certa età, ma si conserva molto bene, anche se non saprei dirlo con certezza visto l’uso esagerato degli effetti speciali) trionfa sul male (il malvagio esercito terrestre che per estrarre un minerale prezioso invade il pianeta alieno buono, difeso dalla popolazione indigena dalla pelle bluastra con archi, frecce e il provvidenziale intervento di Madre Natura, finché le milizie nostrane fornite di devastanti testate nucleari saranno costrette a battere in ritirata con la coda tra le gambe).

Io, sinceramente, mi sono un po’ stancato di questi pistolotti che mettono il sentimento, l’amore imprescindibile, la difesa dell’ambiente, in primo piano. Perché l’incoerenza di fondo è insopportabile. Considerando che solo per far funzionare tutte le cpu delle workstation grafiche che sono servite per renderizzare cinque minuti di questo film si sarà provocato un surriscaldamento del Pianeta che ha disciolto mezza calotta artica, la filippica ecologista va decisamente a farsi benedire. Se la cosa più cool di Avatar è annunciare che è il film più costoso della storia come fosse un grande vanto, per poi metterci dentro una ipocrita filippica ecologista, beh, tanto valeva non fare il film e quei 400 milioni di dollari devolverli direttamente a Greenpeace.

Trama: il mondo sta per finire -> mettiamoci in salvo* -> fine.

Con un intreccio dallo spessore degno di una pellicola Domopak è un po’ difficile riempire oltre due ore e mezza di pellicola cinematografica. Lo sanno bene Roland Emmerich (navigato esperto di catastrofismi di celluloide) ed il suo team di sceneggiatori: infatti, nella migliore tradizione dell’Hollywood più moderna e vuota (cerebralmente, ma anche di storie da raccontare) confezionano un lungometraggio che possiede un profluvio allucinante di riuscitissimi effetti speciali (e sonori, ormai evito di andare al cinema perché odio il Dolby Surround e amo l’audio mono compresso male dei dvx di bassa lega) ma inesorabilmente fini a se stessi e volti a generare una serie di immagini e situazioni destinate ad un pubblico completamente deficiente. I vari recensori e critici online invitano a prendere il film poco sul serio (ci mancherebbe altro!) e ad apprezzarne esclusivamente l’aspetto ludico. Effettivamente, per buona parte del tempo, sembra di trovarsi sulle montagne russe di Gardaland, o dentro il più ben progettato dei videogame per X-Box: di certo non ci si annoia, il livello adrenalinico è sempre al top, ma si esce dal cinema con quella “leggerissima sensazione” di avere assistito allo sdoganamento definitivo della stronzata (oltre che con la voglia di comprarsi un Sony Vaio, per dire quanto sono invasive le marchette pubblicitarie in questo film). 2012 non è l’annunciato dramma catastrofico che tutti si aspetterebbero, bensì un vero e proprio kolossal della stupidata fanta/demenziale dove per “fanta” intendo l’aranciata. E che in soldoni ci trasmette l’insegnamento che l’umanità può salvarsi dalla fine del mondo:

1) rimettendo i propri peccati ad una divinità qualsiasi (preferibilmente Cristo o Buddha) proprio nel momento in cui si sta aspettando inermi una – fantasiosa seppur evitabile - morte, oppure

2) tentando di salvare se stessi a scapito di qualcun altro, però giustificando la cosa con un pippone moralista.

Divertente, comunque, notare che nella becera accozzaglia di ovvietà e stereotipi snocciolati senza pudore, tra le personalità di spicco che compaiono nel film, gli unici tre che decidono di sacrificarsi per la patria e morire insieme ai loro popoli, sono (naturalmente) il presidente americano di colore (da quando è uscito il film Obama ha un fastidioso prurito alle parti basse) travolto sul cancello della Casa Bianca da una portaerei; il Dalai Lama che attende ronfando (ah no, era in meditazione) lo tsunami che sovrastando le montagne lo spazzerà via e (squillino le trombe) il Premier italiano. Il nostro primo ministro è rappresentato come un uomo tetro, nervoso, coi capelli diradati (l’avevo detto che era un film fanta/demenziale) ed ha per moglie una funerea donna rugosa e velata che pare stata prelevata di peso da una grotta dell’Aspromonte nel 1800. Naturalmente, insieme alla famiglia del Premier nostrano, migliaia di “italiani” tutti con il gilet e la coppola sono radunati in preghiera sotto le finestre di piazza San Pietro, con tanto di candele accese, mentre attendono insieme al Papa che la cupola di Michelangelo si squarci e – in una scena già ampiamente vista e rivista - crolli inesorabilmente sulle loro vuote capocce.

* (oppure schiattiamo in maniera inverosimilmente spettacolare)

RON HOWARD
Età: 55
Età all’esordio: 5
Attore di sitcom fin da bambino, dopo essere diventato famoso insieme a tutta la banda di del popolarissimo Happy Days, si è costruito una solida reputazione come regista. Reputazione guadagnata con anni di film meritevoli (”Apollo 13″, “A beautiful mind”) e sputtanata completamente in un colpo solo grazie ad “Angeli e Demoni”.

REESE WITHERSPOON
Età: 33
Età all’esordio: 14
Nonostante Reese bazzichi da quasi vent’anni il mondo di Hollywood, devo dire che non mi sembra di averla mai vista in nessun film. Cioè, una scucchia del genere me la ricorderei.

KIRSTEN DUNST
Età: 27
Età all’esordio: 3
A tre anni compariva in diversi spot americani, a dieci recitava per Woody Allen. Dicono che abbia dato il meglio di sé in “Marie Antoinette“, che non ho visto, però l’ho trovata molto credibile in Spiderman, dove, così rossa e un po’ rimbambita, non si accorgeva che se la faceva con un uomo dalla doppia identità. Candidata ideale per il ruolo di moglie nella prossima fiction sulla vita e opere di Piero Marrazzo.

CHRISTINA RICCI
Età: 29
Età all’esordio: 23
Il ruolo della tetra Mercoledì nella Famiglia Addams l’ha imposta come dark lady del cinema contemporaneo. Talmente dark che la sua filmografia si è persa nel buio.

JASON BATEMAN
Età: 40
Età all’esordio: 12
Sopravvissuto alla “Casa nella prateria”, si è riciclato in altre serie tv, tra cui “Ti presento i miei” ma non ha fatto più nulla di particolarmente rilevante. Non ha avuto un’esistenza particolarmente fortunata: suo suocero è Paul Anka.

JENNIFER CONNELLY
Età: 38
Età all’esordio: 14
Comparve quattordicenne in “C’era una volta in America” di Sergio Leone, Poi ha fatto anche altro in età adulta (oscar per “A beautiful mind”), ma ebbe il suo primo momento di gloria a sedici anni come Sarah di Labyrinth. Che era il mio film preferito quando ero un bimbo in calzoni corti e che poi ho rivisto qualche anno dopo rimanendo - naturalmente - deluso dalla cretineria generale.

(puntata precedente)

JODIE FOSTER
Età: 46
Età all’esordio: 3
A tre anni girò la pubblicità dei solari Coppertone. Quella con la bambina e il cagnolino. Il dubbio su chi dei due fosse lei è rimasto perlomeno fino ai tempi di Taxi Driver. Successivamente si è proclamata lesbica e ha vinto tre statuette di forma allungata: due oscar e una che funziona a batteria

LEONARDO DICAPRIO
Età: 34
Età all’esordio: 15
Come dimenticare il suo esordio televisivo in Genitori in Blue Jeans? Affondandolo assieme al Titanic, per esempio (no vabbè, scusate, sono solo invidioso della sua lista fidanzate).

SCARLETT JOHANSSON
Età: 24
Età all’esordio: 9
Appena novenne esordì al fianco dell’all’incirca coetaneo Elijah Wood in “Genitori Cercasi”. Da allora le sue capacità recitative sono rimaste invariate, con un picco negativo in “The Island”.

DREW BARRYMORE
Età: 34
Età all’esordio: 7 mesi
Comparve in fasce in uno spot tv. Non appena crebbe si convinse di aver visto gli alieni, ma solo quando non era sobria. Superati i problemi con droghe e alcool è riuscita ad affermarsi con successo. Ma non parliamo troppo presto.

ELIJAH WOOD
Età: 28
Età all’esordio: 7
Prima volta sullo schermo da bambino in Ritorno al Futuro parte seconda; ultima volta nel Signore degli Anelli, dove sebbene fossero passati vent’anni, era rimasto sempre alto uguale.

KURT RUSSELL
Età: 58
Età all’esordio: 12
Esordì in un film con Elvis Presley e qualche anno dopo interpretò Elvis Presley. La sua filmografia è sterminata, la sua faccia da “tipico americano” talmente monoespressiva da renderlo adatto per qualsiasi ruolo, ma soprattutto per quelli fantascientifici tipo “1997 Fuga da New York” oppure “2013 Fuga da Los Angeles”. Il fatto che i suoi film migliori riguardassero la fuga da qualcosa, è indicativo.

NATALIE PORTMAN
Età: 28
Età all’esordio: 13
Il delicato e complesso ruolo della dodicenne Mathilda in “Leon” la rese vittima di persecuzioni e stalking, tanto che voleva abbandonare la carriera. Crescendo si è fatta forza ed è diventata una donna talmente risoluta che è stata la carriera a chiedere di abbandonare lei.

Le recensioni che si trovano in giro di Martyrs (così come di tutti gli altri film d’orrore che fanno parlare) sono completamente contrastanti. C’è chi lo giudica un profondo ed ermetico capolavoro che potrebbe rilanciare il cinema di genere di stampo europeo e chi lo ritiene un pretenzioso pistolotto escatologico dall’inutile violenza visiva. La verità forse sta in mezzo: il discutibile film di Pascal Laugier (che giunge nelle nostre sale con due anni di ritardo, dopo aver fatto inorridire la Francia che per questo lungometraggio ha rimesso in moto la censura, inattiva da anni) è (tiepidamente) consigliato ai patiti dell’horror d’altri tempi, quelli dei film dei primi Carpenter e Hooper, Fulci e Deodato (a cui le citazioni non mancano). Agli appassionati degli slasher movie moderni, invece (per capirci: quelli dove ci sono dei teenager che vanno in una casa sperduta e per due ore giocano a rimpiattino con zombie usciti dal solaio e alla fine muoiono tutti tranne uno o forse no), sembrerà una insensata e noiosa replica di qualcos’altro già visto. O forse no.

Il film, ambientato nel 1986, racconta la storia di Anna e Lucie, ragazze oramai adulte, conosciutesi in orfanotrofio e unite per la vita da un misterioso segreto che risale all’infanzia della seconda delle due. Gli spettri nella mente di Lucie, la porteranno a sterminare una famiglia che lei ritiene responsabile di alcune orride torture fisiche (ma non a sfondo sessuale) subite da bambina. Anna è scettica, ma comunque è disposta ad aiutarla ad occultare i cadaveri anche se dentro di sé considera Lucie leggermente svalvolata pur non avendo il coraggio di dirglielo in quanto innamorata di lei. Dopo che Lucie si suicida a causa di una mostruosa visione che la perseguita, Anna si rende conto che gli omicidi compiuti da Lucie non erano giustificati dalla sua follia, bensì avevano un fondamento. Questa consapevolezza le viene data dal ritrovamento di una ragazza incatenata in uno scantinato, nuda, piena di tagli e di lividi, e con delle placche di lamiera ingraffettate sul cranio (che però si possono rimuovere con l’ausilio di un semplice cacciavite a taglio). Mossa a compassione (e per dare un senso alla morte di Lucie), Anna decide di aiutare la sconosciuta, ma non appena costei riesce ad appropriarsi di un coltello, cerca di squartarsi le braccia. La ragazza non termina l’opera in quanto arrivano dei personaggi in divisa, tanto silenziosi quanto ignoti, che la fanno fuori ed imprigionano Anna nel sotterraneo al posto di quell’altra, sottoponendola ad ogni sorta di incomprensibile e reiterata violenza senza un apparente motivo. Rasata, spogliata, picchiata a sangue quotidianamente, abbandonata mezza moribonda nel sudiciume dei suoi escrementi e cibata con una vomitevole poltiglia giallastra, la ragazza riuscirà a sopravvivere fino a raggiungere il momento catartico dello scuoiamento integrale del corpo.

Il perché di tanto inaudito sadismo giunge a trenta secondi dalla fine, quando si scopre che una setta carbonara di pensionati bavosi, seguaci di una certa Mademoiselle (una signora anziana tale e quale a Gianni Boncompagni [cit.]), si dedicano alla tortura di giovani ragazze allo scopo di “martirizzarle”, ovvero portarle alla soglia dell’aldilà rimanendo però coscienti, affinché possano apprendere cosa si cela dopo la morte ed esserne testimoni per riferirlo all’umanità. Nonostante Anna esegua alla perfezione il compito sopravvivendo alle sevizie e riferisca a Mademoiselle ciò che vede in punto di morte (ovvero: luci colorate e tanto fumo, come essere in discoteca negli anni 90, praticamente), il segreto non verrà mai svelato in quanto

[spoiler]

Mademoiselle si sparerà in bocca prima di rivelarlo ai suoi adepti, lasciando intendere che si tratta di qualcosa di talmente sconvolgente che è meglio che il mondo non sappia. Oppure che è talmente una figata che vuole andare subito a buttarsi nella mischia. Boh. Probabilmente la corretta chiave di lettura ce la daranno in Martyrs 2…

Martyrs dispone di una scenografia scarna (il tutto si svolge tra una casa con arredamento bauhaus ed uno scantinato/laboratorio), ma di una buona fotografia che inganna l’occhio dando l’idea che le ambientazioni siano più vaste di quanto non sembra. La crudeltà del plot è palpabile (anche se il sospetto che si sia voluto solamente cercare lo scandalo a tutti i costi, ogni tanto emerge), il sangue scorre a fiumi, gli effetti speciali sono d’impatto e ben confezionati, considerando che non è un kolossal hollywoodiano. Il parterre di attori non è particolarmente folto, ma capace: la protagonista indiscussa del film è Anna (Morjana Alaoui), peraltro decisamente brava (e che dalla finzione del set si è portata a casa un paio di reali fratture); tutti gli altri – cinque o sei attori in totale - si limitano al silenzioso ruolo di cadaveri o all’altrettanto silenzioso ruolo dei torturatori, ma sono ben calati nelle parti. Il silenzio è rotto (piuttosto spesso) da urla sguaiate e rumori metallici di catene e pestaggi. I dialoghi, nell’intero film, sono un paio ed è meglio così in quanto sono francamente ridicoli (esempio: dalla casa in cui i muri grondano sangue ed il cui salotto è pavimentato di corpi dilaniati, Anna decide di chiamare al telefono la madre che non sente da due anni per dirle che “va tutto bene”, manco fosse in spiaggia con gli amici – poi si scoprirà che serviva un pretesto per lasciare la cornetta del telefono sganciata ma, a quel punto, non era meglio far inciampare Anna nel filo, oppure farla chiamare da quelli di Vodafone per proporle la Vodafone Station?).

Punto a favore dell’horror è la costruzione narrativa: il film è nettamente diviso in due parti (lo spartiacque è la suddetta telefonata di Anna alla madre), la prima più in stile “splatter caotico”, la seconda più simil “snuff-movie introspettivo”. Partito in un modo, procede e termina in una maniera completamente diversa e inaspettata (l’impronta stilistica è un po’ quella di “28 giorni dopo”), non tanto per quello che succede, ma per “come” viene raccontato, con delle scelte registiche al limite del ripetitivo e dell’assurdo (l’abuso di dissolvenze, ad esempio) che faranno storcere il naso ai puristi, ma che conferiscono al film una discreta originalità, abbattuta purtroppo da qualche scena cretinetta (la “resurrezione” della madre della famiglia sterminata) e da un finale pseudomoralista non particolarmente creativo.

Il film, senza dubbio, per un motivo o per l’altro colpisce anche lo spettatore più smaliziato e dallo stomaco d’acciaio: di certo è il gore gratuito e fine a se stesso a farla da padrone: la violenza inaudita ed apparentemente senza spiegazione razionale, incasella il film nel sottogenere dei più atroci torture porn (à la “Hostel”), ma tra le righe vi è il “valore aggiunto” dell’incomprensibilità mistica del tutto che incuriosisce e conferisce al film un’atmosfera malata e disturbante. Purtroppo, il rapido epilogo, è degno di un “pretenzioso pistolotto escatologico” e risulta insufficiente per dare un reale significato gratificante e liberatorio ad un’ora e mezza dominata dal disgusto (che, anche se è una sensazione negativa, è già qualcosa, rispetto al nulla sotto-vuoto-spinto che infondono analoghi film americani).

• 1) 32 canzoni in 8 minuti
• 2) Remix Poppins
• 3) Letteralmente Toxic
  
• 4) Joe Jonas balla “Single Ladies”
• 5) E le cicale, cicale cicale cicale

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1) Fenomenale! Non avevo mai sentito prima “Harder Better Faster Stronger” suonata con la chitarra!

2) Idea virale geniale: prendi un film cult e spezzettane i dialoghi sopra una base elettrohouseggiante. Ti verrà fuori un brano più radiofonico di tutti quelli trasmessi da Radio Deejay negli ultimi tre anni.

3) Idea virale geniale bis: si chiama “Literal video” ed è un fenomeno che sta prendendo piede in rete. Prendi la base di una canzone famosa e ricantaci sopra il testo modificato secondo ciò che vedi nelle immagini del videoclip (sapessi cantare e fare il montaggio, demolirei Tiziano Ferro in quattro e quattr’otto)

4) Beh, ormai è chiaro come funziona, no? Visto che gli utenti di Youtube hanno un tasso trash tarato ad una soglia molto bassa, una qualsiasi indecorosa fesseria distribuita in rete per far un po’ parlare del proprio nuovo album in uscita, è automaticamente consentita.

5) Non è un video, ma una gif animata (premiata pure in un concorso di Wikimedia) che mostra la mutazione di una cicala da “pupa” allo stadio adulto. Bleah! (io l’ho un po’ compressa, ma qui si vede meglio)

Gwyneth Paltrow, com’è:

Com’era:

Come sarà: